miércoles, 31 de julio de 2013

El Salto del Eje


Hay cierta tendencia entre cineastas noveles a ignorar las reglas básicas del cine, bien porque quieren innovar, bien porque las desconocen, o bien por ego (ej. el eje es mío y hago lo que me da la gana).

Pero aunque hay maneras de saltarse la Regla N.1 del cine, "REGLA DEL EJE" o "REGLA DE LOS 180º", hay que saber cómo y cuando. Demasiados directores piensan que solucionarán los problemas de lineas y ejes en postproducción, lo que lleva a muchos editores al Prozac. Muchos planos (que han costado mucho dinero y tiempo) se irán a la basura sin poderse usar jamás, por puro desconocimiento o vagancia. Y eso es una falta de respeto a todos los miembros de equipo que confiaron en ti.

Conozcamos como funciona la regla del eje:

Qué es la Regla del Eje

La regla básica dice que: cuando hay dos personas (o una persona y un objeto) imaginaremos una linea entre sus miradas, y situaremos todas las cámaras sólo en un lado de la linea.

De esta manera, un personaje que en una toma está a la derecha de la imagen, en la segunda toma seguirá a la derecha.

Reglas Básicas del Eje

1. Sitúa todos los planos a un lado del eje - si no lo haces entonces tu editor no podrá escoger los planos que mejor narran la historia, sino sólo los que funcionen.

2. Cruzar la línea provoca un ligero shock (a veces genial) para el público, por lo que sólo úsalo cuando este sea tu objetivo (sabiendo que lo que quieres es descolocar a la audiencia)

3. Lo más difícil de planear es una escena de 3 personas. Cuando veas eso en el guión, planifica bien. Dedícale tiempo extra.

4. Hay dos tipos de eje - el eje del movimiento, y el eje de la mirada. Cuando se tienen ambos en una escena, se debe elegir uno de ellos, y aferrarse a él.

Cuando uno se salta la regla del eje, la audiencia puede descolocarse.
Quedaos con este famoso ejemplo de lo que ocurre cuando se salta el eje.


Posibles problemas de Eje

Tomas a 3

Las tomas con 3 personas son especialmente peligrosas, y uno debe de adoptar diferentes medidas dependiendo de la posición escénica que ocupen nuestros actores.

EN FORMA DE "A"


Cuando nuestra situación es con los personajes en triángulo, la solución más fácil es escoger, revisando bien el guión, quienes deben estar más cerca de la cámara y trazar la linea entre ellos. Usamos habitualmente las cámaras internas, aunque podemos colocar una cámara externa (en la imagen en Azul) para empatizar al personaje azul. Las cámaras internas nos sirven para "pivotar" y recuperar la escena. Naturalmente, podemos colocar una cámara más lejos y usarla como "máster"o "Plano General" para resetear las relaciones de miradas y volver las lineas a 0, pero cuidado con los generales porque enfrían el interés sobre lo que dicen los personajes.

EN FORMA DE "L"

Es muy similar. Usamos internos para cada una de las miradas y recuperar el eje, y externos para enfatizar alguno de los personajes. Es muy importante que luego cortemos al personaje que ha sido mirado.

Otros problemas

1. Puertas - son diabólicas. No nos dejan espacio, así que nuestro operador se pondrá donde pueda. Cuida bien esta situación para que los personajes no crucen la linea.

2. Cut-ins o insertos. Se producen cuando un personaje mira algo, y cortamos al objeto que mira. Piensa que en este momento la linea está entre sus ojos y el objeto que está viendo.

Proximidad al eje

Cuando mas próximas estén nuestras cámaras al eje, más cerca estará la mirada del actor, y más íntimo será el plano. Guarda los planos muy cercanos al eje para los momentos de intimidad o revelación.

Como prepararse

1. Haz vistas alzadas de todas tus situaciones, no sólo una "lista de planos" o un "storyboard". Alzados.

2. Si el personaje se mueve, asegúrate de mantener la dirección del movimiento, Piensa mentalmente "El / ella se mueve de izquierda a derecha, la siguiente toma debe tenerlo/a moviéndose de izquierda a derecha"). No mantener el sentido de la marcha entre tomas le comunica a la audiencia que ha pasado tiempo - por lo que puedes hacer eso si es tu objetivo, pero nunca por error.

3. Recítate a ti mismo "Ella está a la izquierda" y procura que los personajes se mantengan siempre en su lado de pantalla hasta que ellos mismos se muevan.

Como Saltarte el Eje 

1. La cámara se puede mover al otro lado por travelling o en stedicam. La nueva linea se ha establecido NO por corte, sino por movimiento, y el espectador no se pierde.

2. El actor se puede mover al otro lado de la linea. La nueva linea se ha establecido NO por corte, sino por movimiento, y el espectador no se pierde.

NOTA: cuando esto suceda, piensa que a partir de ese momento, las lineas son otras y considera tu planificación desde 0 en este momento.

3. Puedes hacer un inserto a un objeto externo a la acción, y volver donde tu quieras.

4. Puedes hacer "borrón y cuenta nueva" e ir a un plano general - esto te permite cortar a cualquier línea que elijas.

5. Puedes usar un nuevo personaje para establecer nueva lineas, como en el siguiente ejemplo:


6. Puedes saltártelo para crear tensión. Así, por la cara. Mirad este magnífico ejemplo en "León, el Profesional" y la tensión que crea el salto de eje. Soberbio.




¿Está el eje sobrevalorado?

Tenemos cierta tendencia a pensar que respetar reglas nos hacen "menos artista". Pero eso es una sandez. Las reglas no son limitaciones, son herramientas. Yo se que si me salto el eje produzco una situación de sorpresa en el espectador, que le distrae la atención y le hace ser consciente de la edición , porque nota "algo raro". Si esa es mi intención, entonces lo hago. Pero si no es mi intención, que eso suceda, me arruina la escena. Las reglas están para saber cuando romperlas. Ignorarlas, no. Romperlas. Pero cuando quieres. No quieres que suceda un efecto y cuando tu no quieres por falta de técnica y conocimiento. Por eso se estudia cine.

Por otro lado, un tipo de montaje que no sea "invisible" y que busque estos tipos de efectos puede funcionar muy bien, pero debes saber como incorporarlos. Un salto de eje en una narración normal rompe el ritmo.

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Ruben Serra Viusa